Mark Steinmetz毕业于耶鲁大学，其作品曾刊登于Aperture、Blind Spot、DoubleTake等多本专业杂志，并被现代艺术博物馆、大都会艺术博物馆、惠特尼美国艺术博物馆等多家顶级艺术机构收藏。今年秋天，由Nazraeli Press出版的亚特兰大(Greater Atlanta)构成了其作品三部曲，这本书也被5B4、J"org Colberg、Alec Soth等多人评为2009年最重要的摄影画册之一。

J"org Colberg："亚特兰大(Greater Atlanta)"，关于这座城市的摄影集刚刚出版，和"南方中部(South Central)"及"南方东部(South East)"一道组成了完整的三部曲。你能给我讲讲关于这组作品和这三本书的历史吗？

Mark Steinmetz："三部曲"这个词会让我联想到巫师与精灵的传奇。我对这个称呼不太感冒，我有个朋友建议我不如把他们称作"南方三侠"，不过这个词听起来更加冗长可怕，让我直接想到古罗马的硝烟。所以我想我还是管他们叫三部曲算了。

南方中部是最早的一部作品，1991年秋天我搬到Knoxville之后就开始了拍摄，前后花了不到两年时间。1993年我搬到Athens以后，开始了南方东部和亚特兰大的拍摄。南方东部在2001年左右拍摄结束，亚特兰大的主要拍摄工作一直持续到今年。

JC：我想我应该问得更清楚一些：拍摄这样一组画册的想法是早就定型的，还是在这"三部曲"的出版过程中慢慢确定的？你觉得叫他们三胞胎如何？

MS：三胞胎让我想到了越来越多的婴儿和世界人口问题，还是算了吧。

有很长一段时间我甚至都不知道自己能不能做成一本书。我接触的第一家出版商很热情，但是他们希望我能自己筹钱。这可不是我愿意的，事实上我也怀疑自己能不能做到。另外我也很害怕如果有人一天愿意给我出版一本书，但是只愿意挑一些最容易讨人喜欢的照片，我应该怎么办。

我一开始只想出一本书，划分成若干个章节。第一章Knoxville，第二章Athens……但当我深入到Knoxville开始拍摄，很明显我发现这些作品应该独立作为一本书。然后我又发现在Athens拍摄的那些照片和我在孟菲斯、新奥尔良等美国南方地区拍摄的照片非常融洽的构成了南方东部这本书，里面主要是一些年轻人的面孔和充满田园风光的景象。亚特兰大里的照片则更多关于我们疯狂的资本主义汽车文化和城市画面。我在不同地方拍摄照片的时候我想也许最好的方式是按照某种标准将他们归类，但直到我走进暗房为最终成书准备放大照片之前都没有一个清晰的脉络。幸运的是Nazraeli出版社一直陪着我完成了这一切，本来我以为出完南方中部以后他们就该开溜了。

JC：我对这些书中的人像作品影响尤为深刻。我很想知道你对人像作品的态度，你想要表达什么？你是怎么样说服人们拍摄照片的？

MS：我想要表现人们生活中深层次的东西。我觉得在拍摄人像的时候，你应该完全清楚自己对于这件事或这个人非常感兴趣。只凭一些盲目的冲动干这件事是不行的。你必须知道你想表现这个人的什么，而不能不停的去问自己"为什么"。我和人们打交道的时候非常低调，我不习惯故弄玄虚。我会直接问他们，"我能给你拍张照片吗？就按你平时的样子。"有时候我也会对他们提点小要求，例如"看这边"啥的，不过也就是说说而已。自己集中注意力才是拍好人像的关键。

JC：亚特兰大混杂着人像和风光，以及最近一段时间的作品，看起来内容最为丰富。这是否代表你关注内容的进步或者变化？

MS：不是。所有这三本书都包含了人像、风景和动物摄影。我也会拍摄一些长焦或微距场景，白天和晚上的拍摄也都有。这就是我的风格。我是个很糟糕的德国摄影师，总是以同样的方式拍一些相同的东西。

JC：书中这些非常漂亮的照片都是黑白的。为什么选择黑白？黑白吸引你的是什么？为什么不拍摄彩色呢？

MS：八十年代早期我开始接触摄影，我看到的大部分是Winogrand和Friedlander这样的黑白摄影师。虽然现代艺术博物馆的书店里面还买得到艾格斯顿彩色摄影指南(Eggleston's Guide)的存货，Joel Sternfeld这类摄影师也开始出书，但大部分令人振奋的作品依旧是黑白的。彩色摄影在当时是一件很麻烦的事情，处理流程冗长，似乎得要一辈子时间。但随着学校开始购买彩色冲洗设备，状况一夜之间发生了改变。冲洗彩色照片突然容易起来，七八分钟时间你的照片就从机器那头吐了出来。打印尺寸也没有过去那么多限制。但这些设备高昂的采购和维护费用不是个人所能承担的，你必须和学校绑在一起，这一点很麻烦。我想当一个独立的摄影师，不希望为了冲洗照片的便利就被校园限制。另外，我对C-Print也有些不满，这些作品其实是印在塑料片上，而不是纸上，还会随着时间慢慢发黄。九十年代这一点得到了充分证明，大部分八十年代制作的彩色照片都出现了不同程度的恶化。今天的数字喷墨技术虽然还需要时间被接受，但这类工艺保存性更好，色彩输出也更容易控制。如果照片真能依托书本完美呈现，接受彩色摄影对我来说并没有技术问题。

黑白和彩色之间的区别是一个争论不休的话题。我还是谈谈我在八十年代早期看到的一些黑白摄影作品以及他们对我的影响吧。现代艺术博物馆关于Eugene Atget和Lee Friedlander的Factory Valleys一系列出版物印刷精美，展示了黑白摄影描绘风云流动、四季变迁的强大能力。没有令人目盲的五色，我想我们在解读这些作品的时候更能获得诗意的感受。在我看来，Tod Papageorge拍摄的中央公园，那些打在人身上的阳光是任何彩色作品都无法表现的。Garry Winogrand在1977年出版的Public Relations这部作品生涩、复杂，但其中又透露着智慧，令读者兴奋。这种复杂的情绪是我在任何彩色摄影作品中都感受不到的。Winogrand并没有急着取悦任何人。彩色摄影则尽量避免这样的复杂，更喜欢平庸的光线，以图得到更多的欣赏。

听了这些话也许你会觉得我对彩色摄影一点不感兴趣，那么你错了。我爱彩色摄影。过去几十年时间里面我拍了不少彩色照片，但是我既没有彩色暗房，也没有像样的数码设备，所以我并没有把他们做成作品。这一点很明显，我不希望自己的作品到几年以后开始偏色恶化。在制作亚特兰大这本书的时候我曾经想过把彩色和黑白作品混在一起，但是把彩色照片放在黑白旁边看上去很不和谐。黑白照片的感觉更加平静，即使是混乱的画面也能在这两色世界之中休息下来。

当然，彩色统治摄影界在今天看来已成定局。也许只有那些一直致力于黑白摄影的人才能触摸到黑白摄影深层的诗意与奥秘。也许对于黑白摄影是来说，就像是三部曲结尾的妖精一样，应该慢慢退出历史舞台迁移到遥远的世界尽头。

JC：其实我听不少摄影师朋友向我提到，黑白摄影的文艺复兴也许就要发生。随着越来越大的彩色作品侵犯了人们的视线，原因已经很明显。也许黑白的精灵们并没有必要退出舞台？看惯了这么多彩色作品以后，是不是应该看看黑白能做些什么了？毕竟，没有什么理由表明为何最伟大的作品必须是彩色的。

MS：我想过去十年中确实诞生了不少伟大的黑白摄影作品。但其中大部分都是功成名就的摄影师在其花甲之年创作。我没有统计过这些作品收到了多少效果，但我想实际并不多。我没有注意到有多少摄影师三十而立就开始选择黑白摄影。如果他们决定这么做，我希望他们的作品并不会被怀旧情绪或浪漫主义所侵占。也许下一个Atget、Brassai或者Kertesz正活在我们中间，等待一鸣惊人。

本文来自J"org Colberg博客Conscientious上的文章A Conversation with Mark Steinmetz，中文翻译及图片使用均经原作者及摄影师授权，请勿转载。请勿将本文用作任何商业用途。

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